54 Ünlü Sanatçılar Tarafından Yapılan Ünlü Tablolar

Hayatınızda ünlü bir sanatçı olmak, diğer sanatçıların sizi hatırlayacağının garantisi değildir. Fransız ressam Ernest Meissonier'i duydunuz mu?

Edouard Manet ile çağdaştı ve eleştirel beğeni ve satışlar konusunda çok daha başarılı bir sanatçıydı. Tersi de Vincent van Gogh için geçerlidir. Van Gogh, kardeşi Theo'ya boya ve tuval sağlaması için güvendi, ancak bugün resimleri bir sanat müzayedesine geldiklerinde rekor fiyatlara satılıyor ve kendisi bir isim.

Geçmişteki ve günümüzdeki ünlü tablolara bakmak size boyanın kompozisyonu ve kullanımı dahil birçok şeyi öğretebilir. Muhtemelen en önemli ders, bir pazar ya da gelecek için değil, nihayetinde kendiniz için resim yapmanız gerektiğidir.

"Gece Nöbeti" - Rembrandt

Tarafından "Gece Nöbeti" tablosu Rembrandt içinde Rijksmuseum Amsterdam'da. Fotoğrafta görüldüğü gibi, bu çok büyük bir tablo: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt

1642'de bitirdi. Gerçek adı "Frans Banning Cocq ve Willem van Ruytenburch Şirketi" dir, ancak daha çok Gece Gözcüsü. (Bir milis muhafızı olan bir şirket).

Resmin kompozisyonu dönem için çok farklıydı. Rembrandt, figürleri düzgün, düzenli bir şekilde, tuvalde herkese aynı önem ve boşluğun verildiği bir şekilde göstermek yerine, onları hareket halindeki meşgul bir grup olarak resmetti.

1715 civarında "Gece Nöbetçileri" nin üzerine 18 kişinin ismini içeren bir kalkan boyandı, ancak isimlerden sadece bir kısmı tespit edildi. (Bir grup portresini yapıp yapmadığınızı unutmayın: Gelecekteki herkesin isimleriyle birlikte gitmek için arkasına bir şema çizin. nesiller bilecek!) Mart 2009'da Hollandalı tarihçi Bas Dudok van Heel sonunda kimin kim olduğunun gizemini çözdü. boyama. Araştırması, envanterlerinde bahsedilen "Gece Nöbeti" nde tasvir edilen giysi ve aksesuar öğelerini bile buldu. 1642'de çeşitli milislerin yaşları ile harmanladığı aile mülkleri, resmin yapıldığı yıl Tamamlandı.

Dudok van Heel ayrıca Rembrandt'ın "Gece Nöbetçileri" nin ilk asıldığı salonda altı grup olduğunu keşfetti. Aslen sürekli bir seri halinde sergilenen bir milis portreleri, uzun zamandır olduğu gibi altı ayrı resim değil düşündüm. Bunun yerine Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart ve Flinck'in altı grup portresi, birbiriyle eşleşen ve odanın ahşap panellerine sabitlenmiş kesintisiz bir friz oluşturdu. Ya da niyet buydu. Rembrandt’ın "Gece Nöbeti" ne kompozisyon ne de renk açısından diğer tablolara uymuyor. Görünüşe göre Rembrandt komisyonunun şartlarına uymamış. Ama öyleyse, olsaydı, bu çarpıcı biçimde farklı 17. yüzyıl grup portresine asla sahip olamazdık.

"Tavşan" - Albrecht Dürer

Genellikle Dürer'in tavşanı olarak anılan bu resmin resmi başlığı ona tavşan diyor. Resim, eserin kalıcı koleksiyonundadır. Batliner Koleksiyonu of Albertina Müzesi Viyana, Avusturya.

Sulu boya ve guaj kullanılarak boyandı, beyaz vurgular guajla yapıldı (kağıdın boyanmamış beyazı olmaktan ziyade).

Kürkün nasıl boyanabileceğinin muhteşem bir örneğidir. Taklit etmek için, alacağınız yaklaşım ne kadar sabrınız olduğuna bağlıdır. Yumrularınız varsa, her seferinde bir saç olmak üzere ince bir fırça kullanarak boyayacaksınız. Aksi takdirde, kuru bir fırça tekniği kullanın veya tüyleri bir fırçayla ayırın. Sabır ve dayanıklılık esastır. Islak boya üzerinde çok hızlı çalışın ve bireysel vuruşlar karıştırma riski taşır. Yeterince uzun süre devam etmeyin ve kürk eski halini alacaktır.

Sistine Şapeli Tavan Fresk - Michelangelo

Michelangelo'nun Sistine Şapeli tavanındaki tablosu, dünyanın en ünlü fresklerinden biridir.

Sistine Şapeli, Papa'nın (Katolik Kilisesi'nin lideri) Vatikan'daki resmi konutu olan Apostolik Sarayı'nda bulunan büyük bir şapeldir. İçinde Bernini ve Raphael'in duvar freskleri de dahil olmak üzere Rönesans'ın en büyük isimlerinden bazıları tarafından boyanmış birçok fresk vardır, ancak en çok Michelangelo'nun tavandaki freskleriyle ünlüdür.

Michelangelo 6 Mart 1475'te doğdu ve 18 Şubat 1564'te öldü. Papa II. Julius tarafından görevlendirilen Michelangelo,Sistine Şapeli tavanı Mayıs 1508'den Ekim 1512'ye kadar (Eylül 1510 ile Ağustos 1511 arasında hiçbir çalışma yapılmadı). Şapel 1 Kasım 1512'de Azizler Bayramı'nda açıldı.

Şapel 40,23 metre uzunluğunda, 13,40 metre genişliğinde ve en yüksek noktasında yerden 20,70 metre yüksekliğindeki tavan¹. Michelangelo bir dizi İncil sahnesi, peygamber ve Mesih'in atalarının yanı sıra trompe l'oeil veya mimari özellikler çizdi. Tavanın ana alanı, insanlığın yaratılışı, insanın lütuftan düşüşü, tufan ve Nuh da dahil olmak üzere Yaratılış kitabının öykülerinden hikayeleri tasvir ediyor.

Sistine Şapeli Tavanı: Bir Detay

İnsanın yaratılışını gösteren panel, Michelangelo'nun Sistine Şapeli'nin tavanındaki ünlü freskinde muhtemelen en bilinen sahnedir.

Vatikan'daki Sistine Şapeli'nde birçok fresk boyanmıştır, ancak en çok Michelangelo'nun tavandaki freskleriyle ünlüdür. 1980 ve 1994 yılları arasında Vatikan sanat uzmanları tarafından, mumlardan ve önceki restorasyon çalışmalarından asırlık dumanı kaldırarak kapsamlı restorasyon yapıldı. Bu, renkleri daha önce düşünüldüğünden çok daha parlak ortaya çıkardı.

Michelangelo'nun kullandığı pigmentler arasında kırmızılar ve sarılar için aşı boyası, yeşiller için demir silikatlar, maviler için lapis lazuli ve siyah için odun kömürü bulunuyordu.¹ Her şey ilk göründüğü kadar ayrıntılı olarak boyanmamış. Örneğin ön plandaki figürler arka plandakilere göre daha detaylı boyanarak tavanda derinlik hissi uyandırıyor.

Sistine Şapeli hakkında daha fazlası:

• Vatikan Müzeleri: Sistine Şapeli
• Sistine Şapeli Sanal Turu

Kaynaklar:
1 Vatican Museums: The Sistine Chapel, Vatican City State web sitesi, 9 Eylül 2010'da erişildi.

Leonardo da Vinci Defter

Rönesans sanatçısı Leonardo da Vinci sadece resimleri ile değil defterleriyle de ünlüdür. Bu fotoğraf, Londra'daki V&A Müzesi'ndeki bir fotoğrafı göstermektedir.

Londra'daki V&A Müzesi, koleksiyonunda Leonardo da Vinci'nin beş defterine sahiptir. Codex Forster III olarak bilinen bu, Leonardo da Vinci tarafından 1490 ve 1493 yılları arasında Milano'da Duke Ludovico Sforza için çalışırken kullanıldı.

Küçük bir dizüstü bilgisayar, kolayca bir ceket cebinde saklayabileceğiniz boyutta. Her türden fikir, not ve eskizlerle doludur "bir atın bacaklarının çizimleri, Toplardaki kostümler için fikirler olabilecek şapkalar ve giysiler ve insan anatomisinin bir açıklaması kafa. "¹ Müzedeki defterin sayfalarını çeviremezken, online sayfalara bakabilirsiniz.

El yazısını okumak, kaligrafi üslubuyla ayna yazısını kullanması arasında kolay değildir. (geriye doğru, sağdan sola), ancak bazıları her türden birini nasıl bir araya getirdiğini görmek büyüleyici buluyor not defteri. Bu çalışan bir defter, gösterişli bir parça değil. Hiç endişelendiysen yaratıcılık günlüğü bir şekilde doğru bir şekilde yapılmamış veya organize edilmemişse, liderliğinizi bu ustadan alın: ihtiyacınız olduğu gibi yapın.

<sub>Kaynak:
1. Forster Kodlarını, V&A Müzesi'ni keşfedin. (Erişim tarihi 8 Ağustos 2010.)</sub>

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciParis'teki Louvre'daki "Mona Lisa" tablosu, tartışmasız dünyadaki en ünlü tablodur. Muhtemelen en iyi bilinen örnektir. Sfumatoesrarengiz gülüşünden kısmen sorumlu olan bir resim tekniği.

Tablodaki kadının kim olduğuna dair pek çok spekülasyon var. Bunun, Francesco del Giocondo adlı Floransalı kumaş tüccarının karısı Lisa Gherardini'nin portresi olduğu düşünülüyor. (16. yüzyıl sanat yazarı Vasari, "Sanatçıların Yaşamları" adlı eserinde bunu ilk önerenler arasındaydı). Gülümsemesinin sebebinin hamile olduğu da ileri sürüldü.

Sanat tarihçileri bilir Leonardo 1503 yılında "Mona Lisa" yı başlatmıştı, rekoru aynı yıl üst düzey Floransalı bir yetkili Agostino Vespucci tarafından yapıldı. Bitirdiği zaman, o kadar kesin değil. Louvre, tabloyu başlangıçta 1503-06'ya tarihlendirdi, ancak 2012'de yapılan keşifler, bunun bir on yıl sonra bitmeden önce, geçmişte yaptığı kayaların çizimine dayanılarak 1510-15.¹ Louvre, Mart 2012'de tarihleri ​​1503-19 olarak değiştirdi.

Kaynak:
1. Mona Lisa, 7 Mart 2012'de Martin Bailey tarafından The Art Newspaper'da düşünüldüğünden on yıl sonra tamamlanmış olabilir (10 Mart 2012'de erişildi)

Ünlü Ressamlar: Giverny'de Monet

Resim İçin Referans Fotoğrafları: Monet'nin "Giverny'deki Bahçe" adlı eseri.

Empresyonist ressam Claude Monet'in bu kadar ünlü olmasının nedenlerinden biri de Giverny'deki geniş bahçesinde yarattığı zambak havuzlarındaki yansımaları resmettiği resimlerdir. Hayatının sonuna kadar yıllarca ilham kaynağı oldu. Göletlerden ilham alan resimler için fikirler çizdi ve hem bireysel işler hem de seri olarak küçük ve büyük resimler yarattı.

Claude Monet’in İmzası

Monet'nin resimlerini nasıl imzaladığına dair bu örnek, nilüfer resimlerinden biridir. Onu bir ad ve soyad (Claude Monet) ve yıl (1904) ile imzaladığını görebilirsiniz. Sağ alt köşede, yeterince uzakta, böylece çerçeve tarafından kesilmeyecek.

Monet'in tam adı Claude Oscar Monet'ti.

"Gösterim Gün Doğumu" - Monet

Monet'nin bu tablosu, empresyonist tarz sanatın. Bunu 1874'te Paris'te İlk İzlenimci Sergi olarak bilinen yerde sergiledi.

Sanat eleştirmeni Louis Leroy, "Empresyonistler Sergisi" başlıklı sergiyle ilgili değerlendirmesinde şunları söyledi:

"Embriyonik halindeki duvar kağıdı, bu deniz manzarasından daha bitmiş."

<sub>Kaynak:
1. Louis Leroy'dan "L'Exposition des Impressionnistes", Le Charivari, 25 Nisan 1874, Paris. John Rewald tarafından şu dilde çevrilmiştir: Empresyonizmin TarihiMoma, 1946, s256-61; Salondan Bienale: Sanat Tarihi Yapan Sergiler, Bruce Altshuler, Phaidon, s.42-43'te alıntılanmıştır.</sub>

"Haystacks" Serisi - Monet

Monet, ışığın değişen etkilerini yakalamak için sık sık aynı konuyu bir dizi resmetti ve gün ilerledikçe tuvalleri değiştirdi.

Monet birçok konuyu defalarca boyadı, ancak serisinin her biri farklıdır, ister nilüfer resmi ister samanlık olsun. Monet'nin resimleri dünyanın dört bir yanındaki koleksiyonlara dağıldığından, genellikle sadece özel sergilerde seri resimlerinin bir grup olarak görülmesi söz konusudur. Neyse ki, Chicago'daki Sanat Enstitüsü koleksiyonunda Monet'nin haystacks resimlerinden birkaçına sahiptir, çünkü bunlar etkileyici birlikte seyretmek:

• Buğday yığını
• Çözülme, Gün Batımı
• Gün Batımı, Kar Etkisi
• Kar Etkisi, Bulutlu Gün
• Yaz Sonu

Ekim 1890'da Monet, sanat eleştirmeni Gustave Geffroy'a resmettiği samanlık serisiyle ilgili bir mektup yazdı ve şöyle dedi:

"Bir dizi farklı efekt üzerinde inatla çalışıyorum, ama yılın bu zamanında güneş o kadar hızlı batıyor ki, buna ayak uydurmak imkansız... Ne kadar uzağa gidersem, aradığımı ortaya çıkarmak için daha çok iş yapılması gerektiğini görüyorum: 'anlıklık', her şeyden önce 'zarf', her şeye aynı ışık yayılıyor... Yaşadıklarımı sunma ihtiyacına giderek daha fazla takıntılıyım ve bana birkaç güzel yıl daha kalması için dua ediyorum çünkü bu yönde biraz ilerleme kaydedebileceğimi düşünüyorum... " ¹

<sup>Kaynak: ​
1. Kendisi MonetRichard Kendall, MacDonald & Co tarafından düzenlenmiş, s172, Londra, 1989.</sup>

"Nilüferler" - Claude Monet

Claude Monet, "Nilüferler" c. 19140-17, tuval üzerine yağlıboya. Boyut 65 3/8 x 56 inç (166,1 x 142,2 cm). Koleksiyonunda San Francisco Güzel Sanatlar Müzeleri.

Monet belki de Empresyonistlerin en ünlüsüdür, özellikle Giverny bahçesindeki zambak havuzundaki yansımaları resmettiği resimleriyle. Bu resim, sağ üst köşede küçük bir bulut parçasını ve suya yansıyan gökyüzünün alacalı mavilerini gösteriyor.

Monet'nin zambak göletinden biri ve bu zambak çiçeklerinden biri gibi Monet bahçesinin fotoğraflarını incelerseniz ve bunları bu resimle karşılaştırırsanız, Monet'nin sanatında yalnızca sahnenin özü veya yansıma, su ve zambak izlenimi dahil olmak üzere ayrıntıları nasıl azalttığına dair bir fikir edin çiçek. Monet'nin fırçasını görmenin daha kolay olduğu daha büyük bir versiyon için yukarıdaki fotoğrafın altındaki "Tam boyutta görüntüle" bağlantısını tıklayın.

Fransız şair Paul Claudel şunları söyledi:

"Su sayesinde, [Monet] göremediklerimizin ressamı oldu. Işığı yansımadan ayıran o görünmez manevi yüzeye hitap ediyor. Havadar masmavi sıvı masmavi tutsak... Bulutlarda, girdaplarda suyun dibinden renk yükseliyor. "

^Kaynak:
Sayfa 262 Jean-Louis Ferrier ve Yann Le Pichon'un Yüzyılımızın Sanatı adlı kitabına dair

Camille Pissarro'nun İmzası

Ressam Camille Pissarro, çağdaşlarının çoğundan (Monet gibi) daha az tanınmaya eğilimlidir, ancak sanat zaman çizelgesinde benzersiz bir yeri vardır. Hem Empresyonist hem de Neo-Empresyonist olarak çalıştı ve Cézanne, Van Gogh ve Gauguin gibi günümüzün ünlü sanatçılarını etkiledi. Sekizinin hepsinde sergilenen tek sanatçıydı. Empresyonist sergiler 1874'ten 1886'ya kadar Paris'te.

Van Gogh Otoportresi (1886/1887)

Bu Vesika tarafından Vincent van Gogh Chicago Sanat Enstitüsü koleksiyonunda. Pointillism'e benzer bir stil kullanılarak boyandı, ancak yalnızca noktalara kesinlikle yapışmıyor.

Van Gogh, 1886'dan 1888'e kadar Paris'te yaşadığı iki yılda 24 otoportre yaptı. Chicago Sanat Enstitüsü bunu, Seurat'ın "nokta tekniğini" bilimsel bir yöntem olarak değil, yoğun bir kırmızı ve yeşil noktaların rahatsız edici olduğu ve van Gogh'un kitabında açıkça görülen gergin gerginlikle tamamen uyumlu olduğu duygusal dil bakış. "

Van Gogh, birkaç yıl sonra kız kardeşi Wilhelmina'ya yazdığı bir mektupta şunları yazdı:

"Son zamanlarda kendime ait iki resim yaptım, bunlardan biri gerçek karaktere sahip. Hollanda'da filizlenen portre resmiyle ilgili fikirlerle muhtemelen alay ederlerdi. İşte... Her zaman fotoğrafların iğrenç olduğunu düşünürüm ve onları etrafta bulundurmayı sevmiyorum, özellikle de tanıdığım ve sevdiğim kişilerin fotoğraflarını... fotoğrafik portreler bizden çok daha erken soluyor, oysa boyalı portre, canlandırılan insana sevgi veya saygı ile yapılan hissedilen bir şey. "

Kaynak:
Wilhelmina van Gogh'a mektup, 19 Eylül 1889

Vincent van Gogh'un İmzası

Gece Cafe by Van Gogh artık Yale Üniversitesi Sanat Galerisi koleksiyonunda. Van Gogh'un yalnızca memnun kaldığı resimleri imzaladığı biliniyor, ancak bu tablo için alışılmadık olan, imzasının altına "Le café de Nuit" adında bir başlık eklemesidir.
Van Gogh'un resimlerini "Vincent van Gogh" veya "Van Gogh" değil, sadece "Vincent" olarak imzaladığına dikkat edin.

24 Mart 1888'de kardeşi Theo'ya yazdığı bir mektupta şöyle dedi:

"Gelecekte, tuvalin üzerine imzalarken benim adımın kataloğa konması gerekiyor, yani Vincent ve Van Gogh, çünkü burada ikinci adı nasıl telaffuz edeceklerini bilmiyorlar."

"Burada" Fransa'nın güneyinde Arles.
Van Gogh'u nasıl telaffuz ettiğinizi merak ettiyseniz, bunun Fransızca veya İngilizce değil, Hollandaca bir soyadı olduğunu unutmayın. Yani "Gogh" telaffuz edildiğinden İskoç "loch" ile kafiyeli. "Goff" veya "git" değil.

Yıldızlı Gece - Vincent van Gogh

Vincent van Gogh'un muhtemelen en ünlü tablosu olan bu tablo, Modern Sanat Müzesi New York'ta.
Van Gogh boyalı Yıldızlı Gece Haziran 1889'da, 2 Haziran 1889 civarında kardeşi Theo'ya yazdığı bir mektupta sabah yıldızından bahsetmişken: "Bu sabah ben ülkeyi güneş doğmadan çok önce penceremden gördüm, çok büyük görünen sabah yıldızından başka hiçbir şey yoktu. "Sabah yıldızı (aslında Venüs gezegeni, bir yıldız değil) genellikle resmin merkezinin hemen soluna boyanmış büyük beyaz olanı olarak kabul edilir.
Van Gogh'un önceki mektupları da yıldızlardan ve gece gökyüzünden ve onları boyama arzusundan bahsetmektedir:

1. "Yıldızlı gökyüzünü, her zaman aklımda olan o resmi yapmaya ne zaman gideceğim?" (Emile Bernard'a mektup, 18 Haziran 1888 dolayları)
2. "Yıldızlı gökyüzüne gelince, onu boyamayı çok umuyorum ve belki de bu günlerden birini yapacağım" (Theo van Gogh'a Mektup, c. 26 Eylül 1888).
3. "Şu anda kesinlikle yıldızlı bir gökyüzü çizmek istiyorum. Bana çoğu zaman gecenin günden daha zengin renklere sahip olduğunu düşünüyorum; en yoğun menekşelerin, mavilerin ve yeşillerin tonlarına sahip olmak. Sadece dikkat ederseniz, bazı yıldızların limon sarısı, bazılarının pembe veya yeşil, mavi ve beni unutma parlaklığı olduğunu göreceksiniz... Mavi-siyahın üzerine küçük beyaz noktalar koymanın yıldızlı bir gökyüzünü boyamak için yeterli olmadığı açıktır. "(Wilhelmina van Gogh'a Mektup, 16 Eylül 1888)

Asnieres'teki Restaurant de la Sirene - Vincent van Gogh

Vincent van Gogh'un bu tablosu Oxford, İngiltere'deki Ashmolean Müzesi koleksiyonundadır. Van Gogh, 1887'de kardeşi Theo ile birlikte Montmartre'de yaşamak için Paris'e vardıktan kısa bir süre sonra, Theo burada bir sanat galerisi yönetti.
Vincent ilk kez Empresyonistlerin (özellikle Monet) resimlerine maruz kaldı ve aşağıdaki gibi sanatçılarla tanıştı: Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard ve Pissarro. Rembrandt gibi kuzey Avrupalı ​​ressamlara özgü koyu toprak tonlarının hakim olduğu önceki çalışmalarıyla karşılaştırıldığında bu tablo, bu sanatçıların onun üzerindeki etkisini göstermektedir.
Kullandığı renkler aydınlandı ve parladı ve fırça çalışmaları daha gevşek ve daha belirgin hale geldi. Tablodan bu ayrıntılara bakın ve nasıl farklı saf renk vuruşları kullandığını göreceksiniz. Tuval üzerinde renkleri harmanlamıyor, bunun izleyicinin gözünde olmasına izin veriyor. Deniyor kırık renk Empresyonistlerin yaklaşımı.
Daha sonraki resimleriyle karşılaştırıldığında, renk şeritleri, aralarında nötr bir arka plan gösterilerek aralıklı yerleştirilmiştir. Henüz tüm tuvali doygun bir renkle kaplamıyor ve boyanın kendisinde doku oluşturmak için fırça kullanma olanaklarından yararlanmıyor.

The Restaurant de la Sirene, Asnieres by Vincent van Gogh (Detay)

Van Gogh'un Asnieres'deki (Ashmolean Müzesi koleksiyonunda) The Restaurant de la Sirene adlı tablosundan bu ayrıntılar, Empresyonistlerin ve diğer çağdaş Parisli resimlerini gördükten sonra fırça ve fırça izleriyle deneyler yaptı sanatçılar.

"Dört Dansçı" - Edgar Degas

Edgar Degas, Dört Dansçı, yak. 1899. Tuval üzerine yağlıboya. Boyut 59 1/2 x 71 inç (151,1 x 180,2 cm). İçinde Ulusal Sanat Galerisi, Washington.

"Sanatçının Annesinin Portresi" - Whistler

Bu muhtemelen Whistler'ın en ünlü tablosu. Tam adı "Gri ve Siyah Aranjman No. 1, Sanatçının Annesinin Portresi" dir. Annesi, Whistler'ın kullandığı model hastalanınca tablo için poz vermeyi kabul etti. Başlangıçta ondan ayakta durmasını istedi, ama gördüğünüz gibi pes etti ve oturmasına izin verdi.
Duvarda Whistler'ın "Black Lion Wharf" gravürü var. Sol üstteki perdeye çok dikkatli bakarsan oymanın çerçevesinden daha hafif bir leke göreceksiniz, bu Whistler'ın resimlerini imzalamak için kullandığı kelebek sembolü. Sembol her zaman aynı değildi, ancak değişti ve şekli, sanat eserini tarihlendirmek için kullanıldı. 1869'da kullanmaya başladığı biliniyor.

"Umut II" - Gustav Klimt

"Kim benim hakkımda bir şeyler bilmek istiyorsa - bir sanatçı olarak, kayda değer tek şey - resimlerime dikkatlice bakmalı ve onlarda ne olduğumu ve ne yapmak istediğimi görmeye çalışmalıdır." Klimt.

Gustav Klimt boyalı Umut II 1907 / 8'de yağlı boya, altın ve platin kullanılarak tuval üzerine. 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm) boyutundadır. Resim, koleksiyonun bir parçasıdır. Modern Sanat Müzesi New York'ta.
Umut II güzel bir örnek Klimt'in resimlerinde altın yaprağı kullanması ve zengin süs tarzı. Ana figürün giydiği giysiyi nasıl boyadığına, dairelerle süslenmiş soyut bir şekil olmasına bakın, yine de onu bir pelerin veya elbise olarak 'okuyoruz'. Altta diğer üç yüzle nasıl birleşir?
Sanat eleştirmeni Frank Whitford, Klimt'in resimli biyografisinde şunları söyledi:

Klimt "resmin izlenimini daha da artırmak için gerçek altın ve gümüş yaprağı uyguladı. doğanın uzaktan görülebileceği bir ayna değil, dikkatlice işlenmiş bir eserdir. " ²

Altının hala değerli bir meta olarak görüldüğü düşünüldüğünde, bugünlerde hala geçerli kabul edilen bir sembolizm.
Klimt, Avusturya'da Viyana'da yaşadı ve ilhamını Batı'dan çok Doğu'dan aldı. Bizans sanatı, Miken metal işçiliği, İran halıları ve minyatürleri, Ravenna kiliselerinin mozaikleri ve Japon ekranlar. " ³
Kaynak:
1. Bağlamdaki Sanatçılar: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, Londra, 1993), arka kapak.
2. Aynı kaynak. s82.
3. MoMA'nın Öne Çıkanları (Modern Sanat Müzesi, New York, 2004), s. 54

Picasso'nun İmzası

Bu imzası Picasso 1903 tarihli (Mavi Döneminden) "Absinthe İçicisi" adlı tablosunda.
Picasso, adının çeşitli kısaltılmış versiyonlarını resim imzası olarak denedi. "Pablo Picasso" yu ayarlamadan önce daire içine alınmış baş harfleri. Bugün genel olarak onun basitçe "Picasso."

Tam adı şuydu: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Kaynak:
1. Natasha Staller'den "Bir Yıkımların Toplamı: Picasso'nun Kültürleri ve Kübizmin Yaratılışı". Yale Üniversitesi Yayınları. Sayfa s209.</sub>

"Absinthe İçicisi" - Picasso

Bu tablo, Picasso tarafından 1903'te Mavi Döneminde (Picasso'nun resimlerinde mavi tonlarının hakim olduğu bir dönemde) yaratıldı; yirmilerindeyken). Sergide, resminden daha çok parti ve içki içmeye hevesli sanatçı Angel Fernandez de Soto yer alıyor.¹ve Picasso ile iki kez aynı stüdyoyu paylaşanlar.
Tablo, ABD'de mülkiyet konusunda mahkeme dışı bir anlaşmaya varıldıktan sonra, Haziran 2010'da Andrew Lloyd Webber Vakfı tarafından müzayedeye çıkarıldı. Alman-Yahudi bankacı Paul von Mendelssohn-Bartholdy'nin soyundan gelenlerin, resmin 1930'larda Nazi rejimi sırasında baskı altında olduğu iddiasının ardından Almanya.

<sub>Kaynak:
1. Christie'nin müzayede evi basın bülteni, "Christie's, Picasso Başyapıtını Sunacak", 17 Mart 2010.</sub>

"Trajedi" - Picasso

Pablo Picasso, Trajedi, 1903. Ahşap üzerine yağ. Boyut 41 7/16 x 27 3/16 inç (105,3 x 69 cm). İçinde Ulusal Sanat Galerisi, Washington.

Adından da anlaşılacağı gibi resimlerinin hepsinin blues hakim olduğu Mavi Döneminden.

Picasso'nun Ünlü "Guernica" Tablosu için hazırladığı eskiz

Devasa tablosu Guernica'yı planlarken ve üzerinde çalışırken, Picasso birçok eskiz ve çalışma yaptı. Fotoğraf onlardan birini gösteriyor kompozisyon kendi başına çok fazla görünmeyen eskizler, karalanmış çizgilerden oluşan bir koleksiyon.

Çeşitli şeylerin ne olabileceğini ve son resimde nerede olduğunu deşifre etmeye çalışmak yerine, onu Picasso'nun kısaltması olarak düşünün. Basit işaret yapımı zihninde tuttuğu imgeler için. Öğeleri resimde nereye yerleştireceğine karar vermek için bunu nasıl kullandığına, bu öğeler arasındaki etkileşime odaklanın.

"Guernica" - Picasso

Picasso'nun bu ünlü tablosu muazzam: 11 fit 6 inç yüksekliğinde ve 25 fit 8 inç genişliğinde (3,5 x 7,76 metre). Picasso, 1937'de Paris'teki Dünya Fuarı'nda İspanyol Pavyonu için sipariş üzerine boyadı. Madrid, İspanya'daki Museo Reina Sofia'da.

"Portre de Bay Minguell" - Picasso

Picasso bu portre resmini 1901'de 20 yaşındayken yaptı. Konu, Picasso'nun sanat tüccarı ve arkadaşı Pedro Manach tarafından tanıştırıldığına inanılan Katalan bir terzi Bay Minguell.¹. Tarz, Picasso'nun geleneksel resim konusunda sahip olduğu eğitimi ve resim stilinin kariyeri boyunca ne kadar geliştiğini gösterir. Kağıda boyanmış olması, Picasso'nun iflas ettiği, henüz sanatından tuvale boyamaya yetecek kadar para kazanmadığı bir zamanda yapıldığının bir işaretidir.

Picasso tabloyu Minguell'e hediye etti, ancak daha sonra geri aldı ve 1973'te öldüğünde hala elinde tuttu. Resim tuvale konulmuş ve muhtemelen Picasso'nun rehberliğinde "1969'dan önce" restore edilmiştir.²Picasso üzerine Christian Zervos'un bir kitabı için fotoğraflandığında.

Bir dahaki sefere, gerçekçi olmayan tüm ressamların sadece nasıl resim yaptığına dair o akşam yemeği partisi tartışmalarından birinde olursunuz. Öz, kübist, fauvist, empresyonist, stilinizi seçin çünkü "gerçek resimler" yapamazlar, kişiye Picasso'yu bu kategoriye koyup koymadıklarını sorun (çoğu yapar), sonra bu resimden bahsedin.

_{Kaynak:
1 & 2. Bonhams Satışı 17802 Lot Detayları Empresyonist ve Modern Sanat Satışı 22 Haziran 2010. (Erişim tarihi 3 Haziran 2010.)}

"Dora Maar" veya "Tête De Femme" - Picasso

Haziran 2008'de müzayedede satıldığında, Picasso'nun bu tablosu 7,881,250 sterline (15,509,512 ABD Doları) satıldı. Açık artırma tahmini üç ila beş milyon pound arasındaydı.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Picasso'nun bu devasa tablosu (yaklaşık sekiz fit kare), değilse bile şimdiye kadar yaratılmış en önemli modern sanat eserlerinden biri olarak müjdelendi. en önemlisi, modern sanatın gelişiminde çok önemli bir resim. Resim beş kadını - bir genelevdeki fahişeleri - tasvir ediyor, ancak tüm bunların ne anlama geldiği ve içindeki tüm referanslar ve etkiler hakkında çok fazla tartışma var.
Sanat eleştirmeni Jonathan Jones¹ diyor:

"Picasso'yu Afrika maskeleri konusunda vuran şey [sağdaki figürlerin yüzlerinde açıkça görülüyor] en bariz şey: sizi gizledikleri, sizi başka bir şeye dönüştürdükleri - bir hayvan, bir iblis, bir Tanrı. Modernizm, maske takan bir sanattır. Ne anlama geldiğini söylemiyor; o bir pencere değil, duvardır. Picasso konusunu tam olarak klişe olduğu için seçti: Sanattaki özgünlüğün anlatıda ya da ahlakta değil, biçimsel icatta yattığını göstermek istiyordu. Les Demoiselles d'Avignon'u genelevler, fahişeler veya sömürgecilik 'hakkında' bir resim olarak görmek bu yüzden yanlıştır.

Kaynak:
1. Pablo'nun Punkları Jonathan Jones tarafından, Gardiyan, 9 Ocak 2007.

"Gitarlı Kadın" - Georges Braque

Georges Braque, Kadin, ile, lâ notasi, gitar, 1913. Tuval üzerine yağ ve odun kömürü. 51 1/4 x 28 3/4 inç (130 x 73 cm). Musee National d'Art Moderne'de, Centre Georges Pompidou, Paris.

Kırmızı Stüdyo - Henri Matisse

Bu resim şu koleksiyonda yer almaktadır: Modern Sanat Müzesi (Moma) New York'ta. Matisse'in resim stüdyosunun içini düzleştirilmiş perspektif veya tek bir resim düzlemi ile gösterir. Stüdyosunun duvarları aslında kırmızı değildi, beyazdı; resminde efekt için kırmızıyı kullandı.
Stüdyosunda çeşitli sanat eserleri ve stüdyo mobilyaları sergileniyor. Stüdyodaki mobilyaların ana hatları, kırmızının üstüne boyanmamış, alt, sarı ve mavi bir katmandan rengi ortaya çıkaran boyadaki çizgilerdir.

1. "Açılı çizgiler derinliği gösterir ve pencerenin mavi-yeşil ışığı iç mekan hissini yoğunlaştırır, ancak kırmızının genişliği görüntüyü düzleştirir. Matisse, örneğin odanın köşesinin dikey çizgisini çıkararak bu etkiyi artırır. "
- MoMA Highlights, Moma tarafından yayınlanmıştır, 2004, sayfa 77.

2. "Tüm unsurlar... sanat ve yaşam, mekan, zaman, algı ve gerçekliğin doğası üzerine uzun süreli bir meditasyon haline gelen şeye bireysel kimliklerini batırmak... Geçmişin klasik dışa dönük, ağırlıklı olarak temsili sanatının geleceğin geçici, içselleştirilmiş ve kendine gönderme yapan ahlakıyla buluştuğu Batı resmi için bir kavşak... "
- Hilary Spurling, Sayfa 81.

Dans - Henri Matisse

En üstteki fotoğraf Matisse'in bitmiş resmini gösteriyor. Dans1910'da tamamlandı ve şimdi Rusya'nın St Petersburg kentindeki Devlet Ermitaj Müzesi'nde. Alttaki fotoğraf, resim için yaptığı tam boyutlu, kompozisyon çalışmasını göstermektedir. MOMA New York, ABD'de. Matisse, Rus sanat koleksiyoncusu Sergei Shchukin'den sipariş üzerine boyadı.
Yaklaşık dört metre genişliğinde ve iki buçuk metre yüksekliğinde (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") devasa bir tablo ve üç renkle sınırlı bir paletle boyanmış: kırmızı, yeşil ve mavi. Bence bu, Matisse'in neden bir renkçi olarak bu kadar üne sahip olduğunu gösteren bir resim, özellikle de çalışmayı parlayan figürleriyle son resimle karşılaştırdığınızda.
Hilary Spurling Matisse biyografisinde (sayfa 30'da) şöyle der:

"İlk versiyonunu görenler Dans soluk, narin, hatta rüya gibi, yüksek renklerle boyanmış olarak tanımladı... ikinci versiyonda parlak yeşil ve gökyüzünün şeritlerine karşı titreşen sert, düz bir vermilyon figür frizine dönüşüyor. Çağdaşlar tabloyu pagan ve Dionysos olarak görüyorlardı. "

Düzleştirilmiş perspektife, figürlerin, temsili resimler için perspektifte veya önceden kısaltılmada meydana gelebilecek daha küçük olmaktan uzak olanlardan çok aynı boyutta olduğuna dikkat edin. Figürlerin arkasındaki mavi ile yeşil arasındaki çizgi, figürlerin çemberini yansıtan nasıl kıvrımlıdır.

"Yüzey, mutlak mavi fikri olan mavinin kesin olarak mevcut olduğu noktaya kadar doygunluğa renklendirildi. Dünya için parlak bir yeşil ve bedenler için canlı bir kırmızı. Bu üç renkle ışık uyumumu ve aynı zamanda saf tonu elde ettim. "- Matisse

Kaynak:
"Öğretmenler ve öğrenciler için Rusça'dan sergiye giriş", Greg Harris, Kraliyet Sanat Akademisi, Londra, 2008.

Ünlü Ressamlar: Willem de Kooning

Ressam Willem de Kooning, 24 Ağustos 1904'te Hollanda'nın Rotterdam kentinde doğdu ve 19 Mart 1997'de New York, Long Island'da öldü. De Kooning, 12 yaşında ticari sanat ve dekorasyon firmasında çıraklık yaptı ve sekiz yıl Rotterdam Güzel Sanatlar ve Teknik Akademisi'nde akşam derslerine katıldı. 1926'da ABD'ye göç etti ve 1936'da tam zamanlı resim yapmaya başladı.

De Kooning'in resim stili Soyut Dışavurumculuk'du. İlk kişisel sergisini 1948'de New York'taki Charles Egan Galerisi'nde siyah-beyaz emaye boya ile bir çalışma gövdesi ile yaptı. (Ressamın pigmentlerini karşılayamadığı için emaye boyayı kullanmaya başladı.) 1950'lerde Soyut Dışavurumculuğun liderlerinden biri, ancak stilin bazı safçıları resimlerini düşündü (örneğin onun Kadın serisi) dahil çok fazla insan formu içerir.

Resimleri, bir resmi yeniden işlerken ve yeniden işlerken birçok katman, üst üste binen ve gizlenen öğeler içeriyor. Değişikliklerin gösterilmesine izin verilir. İlk kompozisyonu için ve resim yaparken tuvallerinin üzerine yoğun bir şekilde karakalem çizim yaptı. Fırça çalışması jestsel, etkileyici, vahşi ve vuruşların arkasında bir enerji duygusu var. Son resimler yapıldı ama yapılmadı.

De Kooning'in sanatsal üretimi yaklaşık yetmiş yıla yayıldı ve resimler, heykeller, çizimler ve baskıları içeriyordu. Son resimleri 1980'lerin sonunda Kaynak. En ünlü resimleri Pembe Melekler (c. 1945), Kazı (1950) ve üçüncü Kadın serisi (1950–53) daha ressam bir üslupla ve doğaçlama bir yaklaşımla yapılmıştır. 1940'larda eş zamanlı olarak soyut ve temsili üsluplarda çalıştı. Onun atılımı, 1948-49 siyah-beyaz soyut kompozisyonlarıyla geldi. 1950'lerin ortalarında kentsel soyutlamaları resmetti, 1960'larda figürasyona, ardından 1970'lerde büyük jestsel soyutlamalara geri döndü. 1980'lerde de Kooning, yumuşak yüzeyler üzerinde çalışmaya, jestsel çizim parçalarının üzerine parlak, şeffaf renklerle perdahlama yapmaya başladı.

Amerikan Gotik - Grant Wood

Gotik amerikan muhtemelen Amerikalı sanatçı Grant Wood'un yarattığı tüm tabloların en ünlüsüdür. Şimdi Chicago Sanat Enstitüsü'ndedir.

Grant Wood 1930'da "Amerikan Gotik" i yaptı. Bir adamı ve kızını tasvir ediyor (karısını değil¹) evlerinin önünde duruyorlar. Grant, Iowa, Eldon'daki tabloya ilham veren binayı gördü. Mimari tarz, resmin başlığını aldığı yer olan Amerikan Gotik'idir. Resmin modelleri Wood'un kız kardeşi ve diş hekimleriydi.². Resim, alt kenara yakın bir yerde, erkek tulumunda sanatçının adı ve yılı ile imzalanmıştır (Grant Wood 1930).

Resim ne anlama geliyor? Wood, onun Püriten ahlaklarını gösteren, Ortabatı Amerikalıların karakterinin onurlu bir sunumu olmasını amaçladı. Ancak bu, kırsal nüfusun yabancılara karşı hoşgörüsüzlüğü üzerine bir yorum (hiciv) olarak kabul edilebilir. Resimdeki sembolizm, ağır işçiliği (dirgen) ve evliliği (çiçek saksıları ve kolonyal baskı önlüğü) içerir. Yakından bakarsanız, dirgeninin üç ucunun, adamın tulumundaki dikişlerde yankılandığını ve gömleğindeki çizgileri devam ettirdiğini göreceksiniz.

^{Kaynak:
Gotik amerikanArt Institute of Chicago, 23 Mart 2011 tarihinde alındı.}

"Haçlı Aziz John Mesih" - Salvador Dali

Bu resim Salvador Dali koleksiyonunda Kelvingrove Sanat Galerisi ve Müzesi Glasgow, İskoçya'da. İlk olarak 23 Haziran 1952'de galeride sergilenmiştir. Resim, galerinin çoğaltma ücreti kazanmasını (ve sayısız kartpostal satmasını!) Sağlayan telif hakkını içermesine rağmen yüksek bir fiyat olarak kabul edilen 8,200 sterline satın alındı.
Dali'nin bir resmin telif hakkını satması alışılmadık bir durumdu, ancak paraya ihtiyacı vardı. (Telif hakkı, imzalanmadıkça sanatçıda kalır, bkz. Sanatçının Telif Hakkı SSS.)

"Görünüşe göre, Dali başlangıçta 12.000 sterlin istedi, ancak bazı zorlu pazarlıklardan sonra... neredeyse üçte bir fiyata sattı ve telif hakkını devrederek 1952'de [Glasgow] şehrine bir mektup imzaladı.

Resmin başlığı, Dali'ye ilham veren çizime bir referanstır. Kalem ve mürekkep çizimi, Haçlı Aziz John'un (bir İspanyol Karmelit rahibi, 1542-1591) İsa'nın çarmıha gerilişini yukarıdan bakıyormuş gibi gördüğü bir vizyondan sonra yapıldı. Kompozisyon, Mesih'in çarmıha gerilmesiyle ilgili olağandışı bakış açısıyla dikkat çekicidir, ışık dramatiktir. gölgelerve şunlardan harika bir şekilde yararlanıldı: önceden kısaltma Şekilde. Resmin altındaki manzara, Dali'nin memleketi İspanya'daki Port Lligat'ın limanıdır.
Tablo birçok yönden tartışmalıydı: bunun için ödenen miktar; dava konusu; stil (modern yerine retro görünen). Galerinin web sitesinde resim hakkında daha fazla bilgi edinin.

Kaynak:
"Dali İmgelerinin Gerçeküstü Örneği ve Sanat Lisansı Üzerine Bir Savaş"Yazan Severin Carrell, Gardiyan, 27 Ocak 2009

Campbell'ın Çorba Kutuları - Andy Warhol

Andy Warhol'dan detay Campbell's Çorba Kutuları. Tuval üzerine akrilik. Her biri 20x16 "(50,8x40,6 cm) 32 resim. Koleksiyonunda Modern Sanat Müzesi (MoMA) New York'ta.
Warhol ilk olarak 1962'de Campbell's çorba konservesi serisini sergiledi, her resmin alt kısmı bir süpermarketteki konserve gibi bir rafta duruyordu. Dizide Campbell's tarafından satılan çorba çeşitlerinin sayısı 32 resim var.
Warhol'un kilerine çorba tenekeleri koyduğunu ve resim yapmayı bitirdiği için bir teneke kutu yediğini hayal ettiyseniz, pek de öyle görünmüyor. Moma'nın web sitesine göre Warhol, Campbell's'tan her tabloya farklı bir lezzet atamak için bir ürün listesi kullandı.
Bu konu sorulduğunda Warhol şunları söyledi:

"Onu içerdim. Yirmi yıldır her gün aynı öğle yemeğini yiyordum, sanırım aynı şeyi defalarca tekrar ediyordum. "¹

Görünüşe göre Warhol'un resimlerin sergilenmesini istediği bir siparişi yoktu. Moma, resimleri "[çorbaların] sunulduğu kronolojik sırayı yansıtan, sol üstte 1897'de piyasaya çıkan" Domates "ile başlayarak sergiliyor.

Bu nedenle, bir seriyi boyarsanız ve bunların belirli bir sırada görüntülenmesini istiyorsanız, bunu bir yere not ettiğinizden emin olun. Tuvallerin arka kenarı muhtemelen en iyisidir, çünkü o zaman resimden ayrılmayacaktır (ancak resimler çerçevelenirse gizlenebilir).
Warhol, türev işler yapmak isteyen ressamların adından sıkça söz ettiren bir sanatçı. Benzer şeyler yapmadan önce iki şeye dikkat çekmeye değer:

1. Açık Moma'nın web sitesiCampbell's Soup Co'dan bir lisans belirtisi var (yani, çorba şirketi ile sanatçının mülkü arasında bir lisans sözleşmesi).
2. Telif hakkı yaptırımı, Warhol'un zamanında daha az sorun teşkil ediyor gibi görünüyor. Warhol'un çalışmasına dayalı olarak telif hakkı varsayımları yapmayın. Araştırmanızı yapın ve olası bir telif hakkı ihlali vakasıyla ilgili endişe düzeyinizin ne olduğuna karar verin.

Campbell, resimleri yapması için Warhol'u görevlendirmedi (daha sonra 1964'te emekli olan bir yönetim kurulu başkanı için bir tane sipariş ettiler) ve Marka 1962'de Warhol'un resimlerinde göründüğünde endişeleri vardı, bir bekle ve gör yaklaşımı benimseyerek verilen cevabın ne olduğunu yargılamaktı. resimler. 2004, 2006 ve 2012'de Campbell's özel Warhol hatıra etiketleriyle teneke kutu sattı.

<sub>Kaynak:
1. Alıntılandığı gibi Moma, 31 Ağustos 2012'de erişildi.</sub>

Warter Yakınındaki Daha Büyük Ağaçlar - David Hockney

Üst: Sanatçı David Hockney, Nisan 2008'de Tate Britain'a bağışladığı yağlı boya tablosu "Warter Yakınındaki Daha Büyük Ağaçlar" ın yanında duruyor.
Alt: Resim ilk olarak Londra Kraliyet Akademisi'nde 2007 Yaz Sergisi'nde tüm duvarı kaplayarak sergilendi.
David Hockney'nin "Warter Yakınındaki Daha Büyük Ağaçlar" adlı yağlı boya tablosu (aynı zamanda Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) Yorkshire'daki Bridlington yakınlarındaki bir sahneyi tasvir ediyor. Yanyana dizilmiş 50 adet tuvalden yapılmış tablo. Bir araya getirildiğinde, resmin toplam boyutu 40x15 fittir (4,6x12 metre).
Hockney bunu boyadığında, tamamladığı en büyük parçaydı, ancak birden çok tuval kullanarak yarattığı ilk parça değildi.

" Bunu yaptım çünkü merdivensiz yapabileceğimi fark ettim. Resim yaparken geri adım atabilmen gerekir. Merdivenden çekilerek öldürülen sanatçılar var, değil mi?"
- Hockney bir Reuter haber raporu, 7 Nisan 2008.

Hockney, kompozisyona ve resme yardımcı olması için çizimler ve bir bilgisayar kullandı. Bir bölüm tamamlandıktan sonra resmin tamamını bilgisayarda görebilmesi için bir fotoğraf çekildi.

"İlk olarak Hockney, sahnenin 50'den fazla panele nasıl uyacağını gösteren bir tablo çizdi. Sonra yerinde ayrı ayrı paneller üzerinde çalışmaya başladı. Onlarda çalışırken, fotoğrafları çekildi ve bir bilgisayar mozaiği haline getirildi, böylece ilerlemesinin grafiğini çizebildi, çünkü herhangi bir zamanda duvarda yalnızca altı panele sahip olabilirdi.

Kaynak:
Charlotte Higgins, Muhafız sanat muhabiri Hockney, Tate'e büyük iş bağışladı, 7 Nisan 2008.

Henry Moore'un Savaş Resimleri

Henry Moore Sergisi Londra'daki Tate Britain Gallery'de 24 Şubat - 8 Ağustos 2010 tarihleri ​​arasında gerçekleştirildi.

İngiliz sanatçı Henry Moore, en çok heykelleriyle ünlüdür, aynı zamanda mürekkebi, balmumu ve İkinci Dünya Savaşı sırasında Londra'nın metro istasyonlarında barınan insanların suluboya resimleri. Moore, Resmi bir Savaş Sanatçısıydı ve 2010 Henry Moore Sergisi Tate Britain Galerisinde bunlara ayrılmış bir oda var. 1940 sonbaharıyla 1941 yazı arasında çekilmiş, trende toplanmış uyuyan figürlerin tasviri tüneller, itibarını dönüştüren ve halkın popüler algısını etkileyen bir ıstırap duygusu yakaladı. Blitz. 1950'lerdeki çalışmaları savaş sonrasını ve daha fazla çatışma ihtimalini yansıtıyordu.
Moore, Yorkshire'da doğdu ve Birinci Dünya Savaşı'nda görev yaptıktan sonra 1919'da Leeds Sanat Okulu'nda okudu. 1921'de Londra'daki Royal College'da burs kazandı. Daha sonra Kraliyet Koleji'nde ve Chelsea Sanat Okulu'nda ders verdi. Moore, 1940'tan beri Hertfordshire'daki Perry Green'de yaşadı ve şimdi Henry Moore Vakfı. 1948 Venedik Bienali'nde Moore Uluslararası Heykel Ödülü'nü kazandı.

"Frank" - Chuck Close

Chuck Close tarafından "Frank", 1969. Tuval üzerine akrilik. Boyut 108 x 84 x 3 inç (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). İçinde Minneapolis Sanat Enstitüsü.

Lucian Freud Otoportre ve Fotoğraf Portresi

Sanatçı Lucian Freud yoğun, affetmeyen bakışları ile ünlüdür, ancak bu otoportrenin de gösterdiği gibi, sadece modellerine değil, kendisine de dönüyor.

1. "Bence harika bir portre... duygu ve bireysellik ve ilginin yoğunluğu ve spesifik olana odaklanma. " ¹
2. "... kendini başka bir insan olarak resmetmeye çalışmalısın. Otoportrelerde 'benzerlik' farklı bir şey olur. Dışavurumcu olmadan ne hissettiğimi yapmalıyım. " ²

<sup>Kaynak:
1. Lucian Freud, Freud at Work s. 32-3'te alıntılanmıştır. 2. Lucian Freud, Lucian Freud'da William Feaver tarafından alıntılanmıştır (Tate Publishing, Londra 2002), s43.</sup>

"Mona Lisa'nın Babası" - Man Ray

Man Ray'den "Mona Lisa'nın Babası", 1967. Sunta üzerine monte edilmiş, puro eklenmiş çizimlerin çoğaltılması. Boyut 18 x 13 5/8 x 2 5/8 inç (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Koleksiyonunda Hirshorn Müzesi.
Birçok insan Man Ray'i sadece fotoğrafla ilişkilendirir, ancak o aynı zamanda bir sanatçı ve ressamdı. Sanatçı Marcel Duchamp ile arkadaştı ve onunla işbirliği içinde çalıştı.
Mayıs 1999'da, Sanat Haberleri dergisi, 20. yüzyılın en etkili 25 sanatçısı listesinde Man Ray'i fotoğrafları ve "film, resim, heykel, kolaj, asamblaj araştırmaları" na dahil etti. Bu prototipler sonunda performans sanatı ve kavramsal sanat olarak adlandırılacaktı. "

Sanat Haberleri dedi ki:

"Man Ray, tüm medyadaki sanatçılara, 'zevk ve özgürlük arayışında' yaratıcı zekanın bir örneğini sundu [Man Ray, yol gösterici ilkeler] geldiği her kapının kilidini açtı ve gideceği yere özgürce yürüdü. "(Alıntı Kaynak: Art News, Mayıs 1999," Willful Provocateur ", AD Coleman.)

"Mona Lisa'nın Babası" adlı bu parça, görece basit bir fikrin nasıl etkili olabileceğini gösteriyor. İşin zor kısmı, ilk etapta fikri bulmaktır; bazen bir ilham kaynağı olarak gelirler; bazen fikirlerin beyin fırtınasının bir parçası olarak; bazen bir kavram veya düşünce geliştirip takip ederek.

Ünlü Ressamlar: Yves Klein

Geriye dönük: 20 Mayıs 2010'dan 12 Eylül 2010'a kadar Washington, ABD'deki Hirshhorn Müzesi'nde Yves Klein Sergisi.

Sanatçı Yves Klein muhtemelen en çok kendi özel mavisini içeren tek renkli sanat eserleriyle ünlüdür (örneğin "Canlı Boya Fırçası" na bakınız). IKB veya International Klein Blue, formüle ettiği lacivert bir mavidir.

Kendini "mekanın ressamı" olarak adlandıran Klein ", saf renk yoluyla maddi olmayan maneviyata ulaşmaya çalıştı" ve "sanatın kavramsal doğasının çağdaş kavramları" ile ilgilendi.¹.

Klein, on yıldan az, nispeten kısa bir kariyere sahipti. İlk halka açık eseri bir sanatçının kitabıydı. Yves Peintures ("Yves Resimleri"), 1954'te yayınlandı. İlk halka açık sergisi 1955'teydi. 1962'de 34 yaşında kalp krizinden öldü. (Klein's Life'ın Zaman Çizelgesi -den Yves Klein Arşivleri.)

<sub>Kaynak:
1. Yves Klein: Boşluk ile, Tam Yetkiler, Hirshhorn Müzesi, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, 13 Mayıs 2010'da erişildi.</sub>

"Yaşayan Boya Fırçası" - Yves Klein

Fransız ressamın bu tablosu Yves Klein (1928-1962) "canlı boya fırçaları" kullandığı serilerden biridir. Özel mavi boyasıyla çıplak kadın modellerini kapladı (Uluslararası Klein Blue, IKB) ve ardından bir seyirci önünde, onları yönlendirerek büyük kağıtlara "boyanmış" bir performans sanat eserinde sözlü olarak.
"ANT154" başlığı, bir sanat eleştirmeni olan Pierre Restany tarafından yapılan bir yorumdan türetilmiştir. "mavi dönemin antropometrileri" olarak üretilen resimler. Klein, ANT kısaltmasını bir dizi olarak kullandı Başlık.

Siyah Resim - Ad Reinhardt

"Renk konusunda yanlış, sorumsuz ve akılsız bir şeyler var; kontrol edilmesi imkansız bir şey. Kontrol ve akılcılık benim ahlakımın bir parçasıdır. " - 1960'da Ad Reinhard ¹

Amerikalı sanatçı Ad Reinhardt'ın (1913-1967) bu tek renkli resmi New York'taki Modern Sanat Müzesi'nde (Moma) bulunuyor. 60x60 "(152,4x152,4 cm), tuval üzerine yağlı boya ve 1960-61'de boyandı. Reinhardt, son on yılda ve hayatının bir bölümünde (1967'de öldü) resimlerinde sadece siyah kullandı.
Amy SiaFotoğrafı çeken, göstericinin tablonun her biri farklı siyah tonları olan dokuz kareye nasıl bölündüğüne işaret ettiğini söylüyor.
Fotoğrafta göremiyorsan endişelenme. Tablonun önündeyken bile görmek zor. Onu içinde Reinhardt üzerine deneme Guggenheim için Nancy Spector, Reinhardt'ın tuvallerini "görünürlüğün sınırlarını zorlayan [] zorlukla ayırt edilebilen haç biçimli şekiller içeren sessiz siyah kareler" olarak tanımlıyor. ².
<sup>Kaynak:
1. Sanatta Renk John Gage, s205 tarafından
2. Reinhardt, Nancy Spector, Guggenheim Müzesi (Erişim tarihi 5 Ağustos 2013)</sup>

John Virtue'nun Londra Tablosu

İngiliz sanatçı John Virtue, 1978'den beri soyutlanmış manzaraları sadece siyah beyaz olarak resmetmiştir. Londra Ulusal Galerisi tarafından üretilen bir DVD'de Virtue, siyah beyaz çalışmanın kendisini "yaratıcı olmaya... yeniden keşfetmeye" zorladığını söylüyor. Çiğneme rengi "derinleşir ne renk olduğuna dair hissim… Gerçekte gördüğüm şeyin duygusu… en iyisidir ve daha doğru ve daha çok bir yağ paletine sahip olmamakla iletilir. boya. Renk bir çıkmaz olur. "
Bu, John Virtue'nun National Gallery'de yardımcı sanatçıyken (2003'ten 2005'e kadar) yaptığı Londra resimlerinden biridir. National Gallery'nin web sitesi Erdem'in resimlerini "oryantal fırça boyama ve Amerikan soyut dışavurumculuğuyla yakınlık" ve büyük İngilizceyle yakından ilişkili olarak tanımlar. Virtue'nun son derece hayran olduğu manzara ressamları, Turner ve Constable, "Ruisdael, Koninck ve" Hollanda ve Flaman manzaralarından etkilenmişlerdir. " Rubens ".
Fazilet, resimlerine isim vermez, sadece rakamlar verir. Nisan 2005 sayısında bir röportajda Sanatçı ve İllüstratörler Virtue dergisi, çalışmalarını 1978'de monokrom çalışmaya başladığında kronolojik olarak numaralandırmaya başladığını söylüyor:

"Hiyerarşi yok. 28 fit veya üç inç olması önemli değil. Varoluşumun sözlü olmayan bir günlüğü. "

Resimlerine sadece "45 Nolu Manzara" veya "630 Nolu Manzara" adı verilmiştir.

Sanat Kutusu - Michael Landy

Sanatçı Michael Landy'nin Art Bin sergisi, Güney Londra Galerisi 29 Ocak - 14 Mart 2010. Konsept çok büyük (600m³) sanatın bir kenara atıldığı galeri alanına yerleştirilmiş çöp kutusu, "yaratıcı başarısızlığın anıtı"¹.
Ancak herhangi bir eski sanat değil; Michael Landy ya da temsilcilerinden birinin onun dahil edilip edilemeyeceğine karar vermesiyle, sanatınızı çevrimiçi olarak ya da galeride çöpe atmak için başvurmanız gerekiyordu. Kabul edilirse, bir ucundaki bir kuleden çöp kutusuna atıldı.

Sergideyken, birkaç parça atıldı ve fırlatmayı yapan kişi, Bir resmi, resmin diğer tarafına doğru kaymasını sağlama şeklinden çok pratik konteyner.
Sanat yorumu, sanatın ne zaman / neden iyi (veya çöp) olarak görüldüğüne, sanata atfedilen değer, sanat toplama eylemi, sanat koleksiyoncularının ve galerilerin sanatçının gücü kariyer.

Neyin atıldığına, neyin kırıldığına (çok sayıda polistiren parçası) ve neyin kırılmayacağına (tuvaldeki çoğu resim bütündü) bakarak yanlardan yürümek kesinlikle ilginçti. En altta, Damien Hirst tarafından camla süslenmiş büyük bir kafatası baskısı ve Tracey Emin'den bir parça vardı. Nihayetinde, geri dönüştürülebilir olanlar (örneğin, kağıt ve kanvas sedyeler) ve geri kalanı da çöp sahasına gidecek. Çöp olarak gömülmüş, bundan yüzyıllar sonra bir arkeolog tarafından kazılması muhtemel değil.

_{Kaynak:
1&2. #Michael Landy: Sanat Kutusu ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), South London Gallery web sitesi, 13 Mart 2010'da erişildi.}

Barack Obama - Shepard Fairey

ABD'li politikacı Barack Obama'nın, karma medya şablonlu kolaj resmi, Los Angeles merkezli sokak sanatçısı tarafından yaratıldı. Shepard Fairey. Obama'nın 2008 başkanlık seçim kampanyasında kullanılan merkezi portre resmiydi ve sınırlı sayıda basılı ve ücretsiz indirilebilir olarak dağıtıldı. Şimdi Washington DC'deki Ulusal Portre Galerisi'nde.

1. Fairey, Obama posterini oluşturmak için (ki bunu bir haftadan kısa bir sürede yaptı), adayın internetten bir haber fotoğrafını çekti. Başkanlık yapan bir Obama aradı... Sanatçı daha sonra kırmızı, beyaz ve mavi bir vatansever paleti (beyazı bej ve maviyi pastel bir ton yaparak oynadığı) kullanarak çizgileri ve geometriyi sadeleştirdi... kalın sözler ...
2. "Obama posterleri (ve birçok ticari ve güzel sanat eserleri), devrimci propagandacılar - parlak renkler, cesur harfler, geometrik sadelik, kahramanca pozlar. "

Kaynak: ​
"Obama'nın Duvar İçi Onayları" William Booth tarafından, Washington Post 18 Mayıs 2008.

"Requiem, Beyaz Güller ve Kelebekler" - Damien Hirst

İngiliz sanatçı Damien Hirst, en çok formaldehit içinde korunan hayvanları ile ünlüdür, ancak 40'lı yaşlarının başında yağlı boya resme geri döndü. Ekim 2009'da 2006-2008 yılları arasında yarattığı resimleri ilk kez Londra'da sergiledi. Bu, ünlü bir ressamın henüz meşhur olmayan tablosuna bir örnek sergi Londra'da "Kaybolan Aşk Yok" başlıklı Wallace Koleksiyonu'nda. (Tarihler: 12 Ekim 2009 - 24 Ocak 2010.)
BBC haberleri Hirst dediğini aktardı.

"Artık sadece elle boyuyor", iki yıldır "resimleri utanç vericiydi ve ben istemedim" "genç bir sanat olduğundan beri ilk kez resim yapmayı yeniden öğrenmek zorunda kaldı." Öğrenci."¹

Wallace sergisine eşlik eden basın açıklamasında şunlar yazıyordu:

"'Mavi Tablolar', çalışmalarında yeni ve cesur bir yöne tanıklık ediyor; sanatçının sözleriyle 'geçmişle derinlemesine bağlantılı' bir dizi resim. "

Tuvale boya koymak, Hirst için kesinlikle yeni bir yön ve Hirst'in gittiği yerde, sanat öğrencileri muhtemelen takip edecek. Yağlı boya yeniden moda olabilir.
About.com'un Londra Seyahat Rehberi, Laura Porter, Hirst'ün sergisinin basın ön izlemesine gitti ve bilmek istediğim tek soruya bir yanıt aldı: Hangi mavi pigmentleri kullanıyordu?

Laura'ya "Prusya mavisi siyah olan 25 resimden biri hariç hepsi için. "Bu kadar karanlık, için için için yanan bir mavi olmasına şaşmamalı!
Sanat eleştirmeni Adrian Searle Gardiyan Hirst'ün resimleri hakkında pek de olumlu değildi:

"En kötüsü, Hirst'in çizimi amatörce ve ergen görünüyor. Onun fırça çalışması, sizi ressamın yalanlarına inandıran o oomph ve gösterişten yoksundur. Henüz onu taşıyamaz. "²

<sub>Kaynak:
1 Hirst 'Turşu Hayvanları Veriyor', BBC News, 1 Ekim 2009
2. "Damien Hirst'in Resimleri Ölümcül Donuk, "Adrian Searle, Muhafız, 14 Ekim 2009.</sub>

Ünlü Sanatçılar: Antony Gormley

Antony Gormley, 1998'de ortaya çıkan, belki de en ünlü heykeli Kuzey Meleği ile ünlü bir İngiliz sanatçıdır. İngiltere'nin kuzeydoğusundaki Tyneside'de, bir zamanlar kömür ocağı olan bir sitede duruyor ve 54 metre genişliğindeki kanatlarıyla sizi karşılıyor.
Temmuz 2009'da Gormley'in Londra'daki Trafalgar Meydanı'ndaki Dördüncü Kaide'deki enstalasyon resmi, bir gönüllünün 100 gün boyunca 24 saat kaide üzerinde bir saat ayakta durduğunu gördü. Trafalgar Meydanı'ndaki diğer kaidelerin aksine, Ulusal Galeri'nin hemen dışındaki dördüncü kaide üzerinde kalıcı bir heykel yok. Katılımcılardan bazıları sanatçılardan oluşuyordu ve alışılmadık bakış açılarını (fotoğraf) çizdiler.
Antony Gormley 1950'de Londra'da doğdu. 1977 ve 1979 yılları arasında Londra'daki Slade Sanat Okulu'nda heykele odaklanmadan önce Birleşik Krallık'ta çeşitli kolejlerde, Hindistan ve Sri Lanka'da Budizm'de okudu. İlk kişisel sergisi 1981'de Whitechapel Sanat Galerisi'ndeydi. 1994'te Gormley, "Field for the British Isles" ile Turner Ödülü'nü kazandı.
Onun biyografisi İnternet sitesi diyor:

... Antony Gormley, bedeni bir bellek ve dönüşüm yeri olarak radikal bir şekilde inceleyerek, kendi bedenini konu, araç ve malzeme olarak kullanarak heykellerdeki insan imajını yeniden canlandırdı. 1990'dan bu yana, kolektif bedeni ve büyük ölçekli enstalasyonlarda benlik ve diğerleri arasındaki ilişkiyi keşfetmek için insanlık durumuyla olan ilgisini genişletti ...

Gormley, geleneksel tarzda heykeller yapamadığı için yaptığı figür türünü yaratmıyor. Aksine, farklılıklardan ve onları yorumlamamız için bize verdikleri yetenekten zevk alır. İle bir röportajda Kere¹dedi ki:

"Geleneksel heykeller potansiyel hakkında değil, zaten tamamlanmış bir şeyle ilgilidir. İşbirlikçi olmaktan çok baskıcı bir ahlaki otoriteye sahipler. Çalışmalarım onların boşluğunu kabul ediyor. "

^{Kaynak:
Antony Gormley, Kalıbı Kıran Adam, John-Paul Flintoff, The Times, 2 Mart 2008.}

Ünlü Çağdaş İngiliz Ressamları

Soldan sağa, sanatçılar Bob ve Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula RegoMichael Craig-Martin, Maggi HamblingBrian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeve Alison Watt.
Sebep, tabloyu izlemekti Diana ve Actaeon Titian (görünmeyen, solda) Londra'daki Ulusal Galeri'de, galeri için tabloyu satın almak için para toplamak amacıyla.

Ünlü Sanatçılar: Lee Krasner ve Jackson Pollock

Bu iki ressamın Jackson Pollock Lee Krasner'dan daha ünlü, ancak onun sanat eserine verdiği destek ve tanıtım olmadan, sanat zaman çizelgesinde pek de yeri olmayabilir. Her ikisi de soyut dışavurumcu bir tarzda boyanmıştır. Krasner, yalnızca Pollock'un karısı olarak görülmek yerine, kendi başına eleştirel beğeni toplamak için mücadele etti. Krasner, Pollock-Krasner Vakfıgörsel sanatçılara burs veren.

Louis Aston Şövalyesinin Merdiven Şöveli

Louis Aston Knight (1873-1948), manzara resimleriyle tanınan, Paris doğumlu Amerikalı bir sanatçıydı. Başlangıçta sanatçı babası Daniel Ridgway Knight altında eğitim aldı. İlk kez 1894'te Fransız Salonunda sergilendi ve bunu hayatı boyunca sürdürürken, Amerika'da da beğeni topladı. Onun resmi The Afterglow 1922'de ABD Başkanı Warren Harding tarafından Beyaz Saray için satın alındı.
Bu fotoğraf, Amerikan Sanatı Arşivleri, maalesef bize bir konum vermiyor, ancak herhangi bir sanatçının şövale merdiveni ve boyaları ile su ya kendini doğayı gözlemlemeye adadı ya da şovmen.

1897: Bir Kadın Sanat Sınıfı

1897'den bu fotoğraf Amerikan Sanatı Arşivleri eğitmen William Merritt Chase ile bir kadın sanatı dersi veriyor. O dönemde kadınlar ve erkekler ayrı ayrı sanat derslerine girerlerdi, o dönemden beri kadınlar sanat eğitimi alacak kadar şanslıydılar.

Sanat Yaz Okulu c. 1900

Minnesota, Mendota'daki St. Paul Güzel Sanatlar Okulu'nun yaz sınıflarındaki sanat öğrencileri, öğretmen Burt Harwood ile yaklaşık 1900'de fotoğraflandı.
Moda bir yana, büyük güneş şemsiyeleri çok pratiktir. açık havada boyama güneşi gözünüzden uzak tuttuğundan ve yüzünüzün güneşten yanmasını önlediğinden (uzun kollu bir üstte olduğu gibi).

"Bir Şişedeki Nelson Gemisi" - Yinka Shonibar

Bazen konudan çok, dramatik bir etki yaratan bir sanat eserinin ölçeğidir. Yinka Shonibar'ın "Nelson's Ship in a Bottle" adlı eseri böyle bir parça.

Yinka Shonibar'ın hazırladığı "Nelson's Ship in a Bottle", daha da uzun bir şişenin içinde 2,35 metre boyunda bir gemi. Koramiral Nelson'ın amiral gemisi HMS'nin 1:29 ölçekli bir kopyası. Zafer.
24 Mayıs 2010'da Londra'daki Trafalgar Meydanı'ndaki Dördüncü Kaide'de "Bir Şişedeki Nelson Gemisi" göründü. Dördüncü Kaide, 1841'den 1999'a kadar boş kaldı. Dördüncü Baza Devreye Alma Grubu.
Antony Gormley'nin "Nelson's Ship in a Bottle" filminden önceki sanat eseri, farklı bir kişinin 100 gün boyunca 24 saat kaide üzerinde durduğu One & Other idi.
2005'ten 2007'ye kadar Marc Quinn'in bir heykelini görebiliyordunuz. Alison Lapper Hamileve Kasım 2007'den itibaren Thomas Schutte tarafından bir Otel 2007 Modeli oldu.
“Nelson's Ship in a Bottle” ın yelkenlerindeki batik desenler, sanatçı tarafından Afrika kumaşlarından ve geçmişinden esinlenerek tuval üzerine elle basıldı. Şişe 5x2,8 metredir, camdan değil perspex'ten yapılmıştır ve şişe, gemiyi inşa etmek için içeriye tırmanacak kadar büyük bir açıklığa sahiptir.