Soyut Sanatın Kökenleri ve Okulları

Soyut sanat (bazen denir) nesnel olmayan sanat) doğal dünyadaki bir kişiyi, yeri veya şeyi tasvir etmeyen bir resim veya heykeldir. Soyut sanatta, çalışmanın konusu gördüğünüz şeydir: renk, şekiller, fırça darbeleri, boyut, ölçek ve bazı durumlarda sürecin kendisi, aksiyon boyama.

Soyut sanatçılar objektif olmayan ve temsili olmaya çalışarak izleyicinin her bir yapıtın anlamını kendi yollarıyla yorumlamasını sağlar. Bu nedenle soyut sanat, Paul Cézanne'ın (1839-1906) Kübist resimlerinde gördüğümüz gibi, dünyaya abartılı veya çarpık bir bakış değildir ve Pablo Picasso (1881-1973), çünkü bir tür kavramsal gerçekçilik sunarlar. Bunun yerine, biçim ve renk parçanın odağı ve konusu haline gelir.

Bazı insanlar soyut sanatın temsili sanatın teknik becerilerini gerektirmediğini iddia etse de, diğerleri farklılık gösterebilir. Gerçekten de, modern sanatın en büyük tartışmalarından biri haline geldi. Rus soyut sanatçısı olarak Vasily Kandinsky (1866–1944) şunu koydu:

"Tüm sanatlarda soyut resim en zor olanıdır. Nasıl iyi çizileceğini bilmenizi, kompozisyon ve renkler için yüksek hassasiyete sahip olmanızı ve gerçek bir şair olmanızı gerektirir. Bu son şart. "

instagram viewer

Sanat tarihçileri tipik olarak 20. yüzyılın başlarını soyut sanat tarihinde tarihsel an. Bu süre boyunca sanatçılar, "saf sanat" olarak tanımladıkları şeyi yaratmaya çalıştılar: görsel algılara değil, sanatçının hayal gücüne dayanan yaratıcı eserler. Bu dönemdeki etkili çalışmalar arasında, Kandinsky'nin 1911 "Çemberli Resim" ve 1909'da Fransız avangard sanatçısı Francis Picabia (1879-1953) tarafından yaratılan "Caoutchouc" yer alıyor.

Bununla birlikte, soyut sanatın kökleri çok daha geriye doğru izlenebilir. 19. yüzyıl gibi hareketlerle ilişkili sanatçılar İzlenimcilik Dışavurumculuk, resmin duygu ve öznelliği yakalayabileceği fikrini deniyordu. Görünüşte nesnel görsel algılara odaklanmasına gerek yoktur. Daha da ileri giderek, birçok antik kaya resmi, tekstil deseni ve seramik tasarımı, nesneleri gördüğümüz gibi sunmaya çalışmak yerine sembolik bir gerçeklik yakaladı.

Kandinsky genellikle en etkili soyut sanatçılardan biri olarak kabul edilir. Tarzının yıllar boyunca temsiliyetten saf soyut sanata nasıl ilerlediğine dair bir bakış, genel olarak harekete büyüleyici bir bakış. Kandinsky'nin kendisi, soyut bir sanatçının görünüşte anlamsız bir iş amacı vermek için rengi nasıl kullanabileceğini açıklama konusunda becerikliydi.

Kandinsky, renklerin duyguları kışkırttığına inanıyordu. Kırmızı canlı ve kendine güveniyordu; yeşil içsel güçle huzurluydu; mavi derin ve doğaüstü idi; sarı sıcak, heyecan verici, rahatsız edici veya tamamen çılgın olabilir; ve beyaz sessiz görünüyordu ama olasılıklarla doluydu. Ayrıca her renge gitmek için enstrüman tonları verdi. Kırmızı bir trompet gibi geliyordu; yeşil orta konumlu bir keman gibi geliyordu; açık mavi bir flüt gibi geliyordu; koyu mavi çello gibi, sarı trompet hayranı gibi geliyordu; ahenkli bir melodide beyaz gibi duruyordu.

Seslere yapılan bu analojiler, Kandinsky'nin müziğe olan takdirinden, özellikle çağdaş Viyana bestecisi Arnold Schoenberg'in (1874-1951) eserlerinden geldi. Kandinsky'nin başlıkları genellikle kompozisyondaki veya müzikteki renkleri ifade eder, örneğin, "Doğaçlama 28" ve "Kompozisyon II."

Fransız sanatçı Robert Delaunay (1885–1941) Kandinsky'nin Mavi Binicisine (Die Blaue Reiter) grubu. Eşi Rus doğumlu Sonia Delaunay-Turk (1885-1979) ile ikisi de kendi hareketlerinde soyutlamaya yöneldi, Orphism veya Orphic Kübizm.

Bugün, "soyut sanat" genellikle çok çeşitli stilleri ve sanat akımlarını kapsayan bir şemsiye terimdir. Bunlar arasında temsili olmayan sanatnesnel olmayan sanat, soyut dışavurumculuk, sanat bilgisi (bir tür duygusal sanat) ve hatta bazıları op art (optik sanat, optik yanılsamalardan yararlanan sanata atıfta bulunur). Soyut sanat, duygu, ses veya maneviyat gibi görsel olmayan şeyleri ima eden, duygusal, geometrik, akıcı veya mecazi olabilir.

Soyut sanatı resim ve heykelle ilişkilendirme eğilimimiz olsa da, herhangi bir görsel ortama uygulanabilir. toplanma ve fotoğrafçılık. Ancak, bu harekette en çok dikkat çekenler ressamlardır. Birinin soyut sanata getirebileceği çeşitli yaklaşımları temsil eden birçok önemli sanatçı var ve modern sanat üzerinde önemli bir etkisi oldu.

• Carlo Carrà (1881–1966), 20. yüzyılın başlarında enerji ve hızla değişen teknolojiyi vurgulayan bir soyut sanat türü olan Fütürizm'deki çalışmaları ile tanınan bir İtalyan ressamdı. Kariyeri boyunca, Kübizm'de çalıştı ve resimlerinin çoğu gerçekliğin soyutlamalarıydı. Ancak manifestosu, "Ses, Gürültü ve Kokuların Boyanması" (1913) birçok soyut sanatçıyı etkiledi. Sinaesteziye olan hayranlığını, örneğin bir çok soyut sanat eserinin kalbinde olan bir rengi "kokladığı" duyusal bir geçişi açıklar.
• Umberto Boccioni (1882–1916), geometrik formlara odaklanan ve Kübizmden büyük ölçüde etkilenen bir başka İtalyan Fütüristiydi. Çalışmaları genellikle fiziksel hareketleri "Zihin Halleri" (1911). Bu üç resim serisi, yolcuların ve trenlerin fiziksel tasvirinden ziyade bir tren istasyonunun hareketini ve duygularını yakalar.
• Kazimir Malevich (1878–1935), birçoğunun geometrik soyut sanatın öncüsü olarak tanımladığı bir Rus ressamdı. En tanınmış eserlerinden biri "Kara Meydan" (1915). Bu basit ama sanat tarihçilerine kesinlikle büyüleyici, çünkü Tate'den bir analiz olarak, "Birisi ilk kez bir şey olmayan bir resim yaptı."
• Jackson Pollock (1912–1956), Amerikalı bir ressam, genellikle Soyut Dışavurumculukveya aksiyon resmi. Çalışmaları tuval üzerine damlatmak ve sıçramaktan daha fazlasıdır, ancak tamamen jestsel ve ritmiktir ve genellikle çok geleneksel olmayan teknikler kullanır. Örneğin, "Tam Kulaç Beş" (1947) kısmen çiviler, madeni paralar, sigaralar ve çok daha fazlasıyla oluşturulan tuval üzerine bir yağdır. Bazı çalışmaları, "Sekizde Yedi Var" (1945) büyük, sekiz feet genişliğinde uzanıyor.
• Mark Rothko (1903–1970), Malevich'in geometrik soyutlarını renk alanı resmiyle yeni bir modernizm seviyesine taşıdı. Bu Amerikan ressamı 1940'larda yükseldi ve rengi kendi başına bir özneye sadeleştirdi, yeni nesil için soyut sanatı yeniden tanımladı. Onun resimleri, "Kırmızıda Dört Karanlık" (1958) ve "Turuncu, Kırmızı ve Sarı" (1961), stilleri için büyük boyutları kadar dikkat çekicidir.