21. yüzyılda resim sevincinin bir kısmı, mevcut ifade biçimlerinin genişliğidir. 19. ve 20. yüzyılların sonları sanatçıların resim stillerinde büyük atılımlar yaptığını gördü. Bu yeniliklerin çoğu, metal boya tüpünün icadı ve teknolojinin gelişimi gibi teknolojik gelişmelerden etkilenmiştir. fotoğrafçılıksosyal olaylarda, politikada ve felsefede dünya olaylarıyla birlikte değişiklikler.
Bu liste, diğerlerinden çok daha gerçekçi olan yedi ana sanat stilini (bazen "okullar" veya "hareketler" olarak anılır) özetlemektedir. Orijinal hareketin bir parçası olmayacak olsanız da - genellikle aynı şeyi paylaşan sanatçı grubu tarihin belirli bir döneminde resim stili ve fikirleri — kullandıkları stilleri hala boyayabilirsiniz. Bu tarzları öğrenerek ve içinde çalışan sanatçıların neler yarattığını ve ardından farklı yaklaşımları kendiniz deneyerek kendi tarzınızı geliştirmeye ve beslemeye başlayabilirsiniz.
Resmin konusunun stilize veya soyutlanmaktan çok gerçek şeye benzediği gerçekçilik, birçok insanın düşündüğü stildir "gerçek sanat" olarak Sadece yakından incelendiğinde, düz renkler gibi görünen şeyler kendilerini birçok rengin bir dizi fırça darbesi olarak ortaya çıkarır ve değerler.
Gerçekçilik, Rönesans. Sanatçı, uzay ve derinlik yanılsaması yaratmak için perspektifi kullanır, kompozisyonu ve aydınlatmayı konu gerçek görünecek şekilde ayarlar. Leonardo da Vinci'nin "Mona Lisa"stilin klasik bir örneğidir.
Painterly stili, Sanayi devrimi 19. yüzyılın ilk yarısında Avrupa'yı süpürdü. Sanatçıların stüdyo dışına çıkmasına izin veren metal boya tüpünün icadı tarafından kurtarılan ressamlar, kendini boyamaya odaklanmaya başladı. Konular gerçekçi bir şekilde sunuldu, ancak ressamlar teknik çalışmalarını gizlemek için hiçbir çaba göstermedi.
Adından da anlaşılacağı gibi, vurgu resim eylemidir: fırça işlerinin ve pigmentlerin kendileri. Bu tarzda çalışan sanatçılar, bir fırça veya palet bıçağı gibi başka bir araçla boyada kalan doku veya işaretleri yumuşatarak resim oluşturmak için kullanılanları gizlemeye çalışmazlar. Resimleri Henri Matisse bu tarzın mükemmel örnekleridir.
İzlenimcilik, 1880'lerde Avrupa'da Claude Monet gibi sanatçıların, gerçekçiliğin ayrıntılarıyla değil, jest ve yanılsama ile ışığı yakalamaya çalıştığı ortaya çıktı. Cesur renk tonlarını görmek için Monet'in nilüferlerine veya Vincent Van Gogh'un ayçiçeklerine çok yakın olmanıza gerek yok, ancak neye baktığınıza şüphe yok.
Nesneler gerçekçi görünümlerini korurlar, ancak bu stile özgü benzersiz bir canlılığa sahiptirler. İzlenimciler çalışmalarını ilk gösterdiklerinde çoğu eleştirmenin nefret ettiğini ve alay ettiğini düşünmek zor. O zaman bitmemiş ve kaba bir resim stili olarak kabul edilen şey şimdi sevildi ve saygı görüldü.
DIŞAVURUMCULUK ve Fovizm 20. yüzyılın başında stüdyolarda ve galerilerde görünmeye başlayan benzer stillerdir. Her ikisi de, hayatı olduğu gibi tasvir etmek yerine sanatçıya hissettiği veya göründüğü gibi tasvir etmek için seçilen cesur, gerçekçi olmayan renkleri kullanmalarıyla karakterizedir.
İki stil bazı açılardan farklılık gösterir. Edvard Munch dahil olmak üzere dışavurumcular günlük hayattaki grotesk ve dehşeti anlatmaya çalıştılar, genellikle hiper-stilize fırça ve korkunç görüntülerle, resim "Çığlık."
Fauvistler, yeni renk kullanımlarına rağmen, yaşamı idealize veya egzotik bir doğada tasvir eden kompozisyonlar yaratmaya çalıştılar. Henri Matisse'in büyüleyici dansçılarını veya George Braque'ın pastoral sahnelerini düşünün.
20. yüzyılın ilk on yıllarında Avrupa ve Amerika'da ortaya çıktıkça resim daha az gerçekçi hale geldi. Soyutlama, bir konunun özünü, görünür detaylardan ziyade sanatçı yorumu yaparken resmetmektir. Bir ressam, nesneyi baskın renklerine, şekillerine veya desenlerine, Pablo Picasso üç müzisyenin ünlü duvar resmi ile yaptı. Sanatçılar, tüm keskin çizgiler ve açılar, en az gerçek görünmüyor, ancak kim olduklarından şüphe yok.
Ya da bir sanatçı Georgia O'Keeffe'nin yaptığı gibi konuyu bağlamından çıkarabilir veya ölçeğini büyütebilir. Çiçekleri ve kabukları, ince detaylarından arındırılmış ve arka planlara karşı yüzen rüya gibi manzaralara benzeyebilir.
Tamamen soyut çalışma, 1950'lerin Soyut Ekspresyonist hareketinin çoğu gibi, öznelliği kucaklamaya vurarak, gerçekçiliği aktif bir şekilde kapatır. Resmin konusu veya noktası kullanılan renklerdir, dokular sanat eseri ve onu yaratmak için kullanılan malzemeler.
Jackson Pollock'un damla resimleri bazılarına devasa bir karışıklık gibi görünebilir, ancak inkar edilemez "Number 1 (Lavender Mist)" gibi duvar resimlerinizin dinamik, kinetik bir kaliteye sahip olduğunu faiz. Mark Rothko gibi diğer soyut sanatçılar, konularını kendilerinin renklerini basitleştirdiler. 1961'deki "Turuncu, Kırmızı ve Sarı" şaheseri gibi renk alanı çalışmaları sadece şöyledir: kendinizi kaybedebileceğiniz üç pigment bloğu.
Fotogerçekçilik 1960'lı yılların sonlarında ve 70'lerden beri sanata hâkim olan Soyut Ekspresyonizme tepki olarak gelişti. Bu stil genellikle hiçbir detayın bırakılmadığı ve hiçbir kusurun önemsiz olduğu gerçeklikten daha gerçek gibi görünür.
Bazı sanatçılar, hassas ayrıntıları doğru bir şekilde yakalamak için fotoğrafları bir tuval üzerine yansıtarak kopyalar. Diğerleri bunu serbestçe yapar veya bir fotoğrafı veya fotoğrafı büyütmek için bir ızgara sistemi kullanır. En iyi bilinen fotogerçekçi ressamlardan biri, diğer sanatçıların ve ünlülerin duvar boyutlarındaki görüntüleri anlık görüntülere dayanan Chuck Close'dur.